Artist Statement


Music and painting, while being different modes of expression, have developed reciprocally, sharing the realm of human senses. Therefore, we may assume that there is a 1:1 correspondence between music and painting. However, expressing music in an improvised manner according to the listener’s mood is seen as simply expressing lumps of color from ‘discarded sound’. Music is a fomalistic art form with many mathematical restrictions, and has to be adapted according to fixed rules of notation. Therefore, the metaphorical expression used to document a musical performance has to be accompanied by the agreed upon grammar, and the tension between the two should be resolved in the method as outline below.

From collecting and analysing musical data (era, theory, composers), to reflecting the specific tones and motifs in the musician’s rendition, arranging the phrases according to the format and flow of the piece, and designing the grid to synthesise and lay out all the information, the work entails creating the grammatical framework for the adaptation of music to painting. At the same time, a minimum level of compatibility is maintained, with ample time between the respective procedures to allow for adjustment and supplementation of the musical recording. The standardisation of the resulting products also helps classify and organise the music according to format or composer.

음악과 회화는 서로 다르게 표현되더라도 인간의 감각을 공유함으로써 호혜적으로 발전해왔기 때문에 음악과 회화 사이에는 1:1 대응 짝이 있다는것을 전제로 한다.

음악은 수학적 제약이 많은 형식주의적인 예술로서 정해진 기호 법칙에 따라 분석되고 표현된다. 청자의 기분에 따라 음악을 감상하고 즉흥적으로 그것을 표현한다고 하는 것은 수학과 형식의 법칙을 생략하는것이고 단지 ‘유기된 소리’의 색 덩어리를 표현하는 것일 뿐이다. 한편으로 음악을 그대로 말하는 것보다 더 강하게 표현하기 위해 추상적인 열거보다는 구체적인 알레고리를 통해 음을 기록하는 방법을 채택한다. 그러나 음표에 대한 은유적 개입은 표상하는 형식(기호체계) 자체에도 의미를 부여하게 되고, 상징으로 표시되는 기호 또한 다의성이 있기 때문에 의도한 의미 작용이 해석하는 쪽에서 일어나지 않을 수 있다. 기록된 음표에 내포된 의미를 많이 할당하고 해독의 여지를 지나치게 많이 남겨둘 경우 전달성이 결여되기 때문이다. 그래서 은유적 표현은 형식적인 문법이 동반되어야 하고 둘 사이의 긴장감은 다음과 같은 방법으로 해소 될 것이다.

음악을 묘사하기 위해 시대, 작곡가, 곡에 대한 데이터 수집과 분석 방법을 고안하는것, 연주가를 선별하고 유형을 파악하여 반영하는것, 곡의 형식과 흐름에 따라 프레이즈를 배열하는것, 음색과 음형을 표현하는 최소한의 규칙을 만드는것, 이 모든것을 종합하여 풀어낼 그리드를 디자인하는것까지가 문법의 틀을 만드는 일이다. 이 제한된 조건(그리드)안에서 작가의 곡에 대한 해석과 직관에 따른 은유적 표현 즉 사적인 결단이 허용된다. 동시에 최소 호환성을 유지하고 작업 절차사이에 간격을 넉넉히 두어 수정과 보완의 개입을 쉽게 한다. 결과물을 규격화하는 작업 또한 곡의 형식이나 작곡가를 기준으로 분류하고 정리할 수 있게 하는 방법이다.


I have created a process that translates musical scores into visual scores. I primarily use Bach’s music to visually explore something new that can be obtained from the music, such as patterns and compositional possibilities. I translate the elements of music to colour, shape, contrast and chroma, to make a visual score. My process is objective with subjective undertones of choices to express the sensations of the music rather than one dimension translation.

My artwork’s aim is to disassemble and analyse the order, beat, instructions of the performance method, and characteristics of the instrument to visually explore the aesthetic and sensory qualities that can be explored with Bach’s music. The audience can engage with the pieces of art to understand the complexity and mathematical formulas that Bach has explored in his compositions. I disassemble and analyse the music in its beat, performance method, and timbre. I draw from the music to best describe the force, position, colour, length, form and context of the note must all be considered in a comprehensive manner. The layout is determined by a structure that reflects the pattern, flow, and composition of the visually transferred notes, such as fugues are explored in the best possible way to express the counterpoint. I have primarily chosen watercolour as my medium to describe piano music due to its flatness and ease of controlling the density of colour.

When confining time to the concept of space, the hidden principle of the music can be grasped. Recently I collaborate musicians who interpret my scores in an attempt to find new possibilities of performance and recording.